Le blog de Lila

Il y a quelques jours, je suis allée au 104 avec un ami voir l'exposition Keith Haring, the political line.

L'exposition du 104 est un complément de celle organisée au Musée d'art moderne de la ville de Paris (que je n'ai pas visitée). On y trouve les grands formats, que ce soient des toiles ou des sculptures. 

Les deux expositions s'intéressent à l'engagement politique de l'artiste : 

«Chaque pièce de son œuvre est porteuse d'un message directement politique, analyse Dieter Buchhart. Au sens de l'individu dans l'espace public. Pour la liberté d'expression avec sa série de dessins à la craie dans le métro de New York. Pour le droit d'être différent et heureux avec tous ses dessins qui célèbrent l'amour libre. Contre l'homophobie, mais aussi le racisme aux États-Unis et la ségrégation en Afrique du Sud. Contre le capitalisme et ses excès d'esclavagiste.»

On commence par visiter le pop shop de Tokyo :

Bref, une exposition chouette mais très frustrante vue seule, car beaucoup trop courte (j'ai mis ici plus de la moitié des tableaux présentés). Heureusement que le 104 est aussi un lieu agréable pour boire un verre ! Je pense qu'il faut la faire en complément de celle au musée d'art moderne, et pas seule (pour info, l'entrée sur un site permet un tarif réduit sur l'autre site).

Mais la mise en avant de l'aspect politique de l'œuvre de Keith Haring est intéressante, parce que je pense qu'on s'arrête trop facilement sur l'aspect coloré et parfois presque enfantin de ses dessins et qu'il était nécessaire de rappeler ou de faire découvrir son engagement.

J'ai vu beaucoup de familles et de groupes d'enfants dans cette expo (vacances scolaires obligent). Or, justement, Keith Haring, ce ne sont pas seulement des petits bonhommes aux formes sympathiques. Comme vous pouvez le voir dans les quelques œuvres que j'ai mises en avant, il y a des représentations sexuelles explicites (sexes en érection, sodomies...). Je ne dis pas qu'il ne faut pas y emmener d'enfants. J'ai personnellement accompagné il y a quelques années, lors d'une exposition Keith Haring au musée d'art contemporain de Lyon, la classe de petite section de ma maman et constaté avec ravissement à quel point sa peinture pouvait parler aux enfants et à quel point cette visite les avait marqué (un des élèves m'en a reparlé 6 mois plus tard!). Mais simplement qu'il faut savoir à quoi s'attendre, éventuellement sélectionner les œuvres et les salles à visiter et être prêt à répondre aux questions sur le sujet. (S'en est d'ailleurs suivi une intéressante conversation avec l'ami qui m'accompagnait sur la manière dont on parle de sexe aux enfants, sur les raisons du tabou qui entoure souvent ce sujet et sur les conséquences que ce tabou peut avoir sur la sexualité future de ces enfants !).

Pour en savoir plus sur Keith Haring, voilà une chouette série de vidéos proposées par télérama et un commentaire sur les dix commandements par la commissaire de l'exposition. 

J'ai du retard dans mes compte-rendus d'exposition puisque  je suis allée voir celle-ci fin Novembre. 

Quand j'ai découvert Soutine, j'étais en terminale, et je faisais un TPE sur la vie artistique à Paris dans les années 1920. J'ai d'abord connu ses pièces de boeuf, et je dois dire que je n'ai pas été emballée. Mais il y a quelques mois, en visitant les collections permanentes de l'Orangerie, j'ai découvert ses paysages, et j'étais déjà beaucoup plus enthousiaste. Alors quand mes beaux parents ont décidé d'y aller, je les ai accompagnés, profitant de cette occasion de mieux connaître son oeuvre. Et j'ai bien fait, parce que j'ai trouvé cette exposition magnifique.

La première salle est consacrée aux portraits des amis et des mécènes. Elle a pour ambition de montrer que Soutine n'était pas l'artiste maudit et solitaire qu'on imagine parfois, mais qu'il avait de nombreux amis dans le monde de l'art. L'exposition s'ouvre d'ailleurs sur un portrait de Soutine peint par Modigliani. Il eu également des mécènes fidèles, en particulier le Dr Barnes ou Madeleine Castaing dont on trouve le portrait dans cette salle :

Madeleine Castaing (source : RMN)

"Les sujets, centrés sur un fond souvent foncé, sont étirés, déformés parfois à outrance, mais s'attachent à individualiser les traits et l'expression jusqu'à en sonder la psychologie. Le portrait de Madeleine Castaing, décoratrice et mécène de Soutine, en est une illustration. Le manteau noir et le rouge éclatant de sa robe forment une silhouette aux contours presque épurés. Le visage triangulaire au nez étiré, légèrement décalé, la bouche rouge, le regard scrutateur révèlent la force de son caractère" (dépliant de l'exposition).

On y trouve aussi une autoportrait du peintre :

Autoportrait

La seconde partie est consacrée aux paysages. Tout d'abord aux représentations de villages, de maisons. C'est de loin la partie de l'exposition que j'ai préféré. "Tout est comme balayé par une tempête : maisons, arbres et personnages tanguent et se déforment" (dépliant de l'exposition)

Les maisons (source : RMN)

"Dans une vision hallucinée, les maisons semblent des personnages, dansant sur leur base et ondulant en s'allongeant démesurément vers le ciel (...). Un souffle puissant déporte vers la gauche ce ballet qui swingue. A droite, les formes se désagrègent jusqu'à devenir de simples taches de couleur à la limite de l'abstraction. Une telle démarche visant à déformer le réel pour exprimer la passion et le tourment se rencontre à la même époque chez les peintres français et étrangers (...) que l'on rassemble sous l'étiquette d'expressionnistes" (extrait de "Soutine", fascicule publié par le musée de l'Orangerie).

Les paysages peints dans le Sud regorgent de couleurs chaudes et vives. Les reproduction de la RMN ne leur rendent pas honneur.

Paysage de la Gaude (source : RMN)

La route folle à Cagnes

Arbre couché (source : RMN)

Le motif de l'arbre est très fréquent dans l'oeuvre de Soutine. La salle suivante est consacrée à ces représentations. 

L'arbre

La salle suivante s'organise autour de la couleur rouge. On y trouve l'escalier rouge à Cagnes : 

Mais aussi une série de "glaïeuls" dont voilà un exemple :

La grande salle suivante est consacrée aux natures mortes, et en particulier à la série des boeufs écorchés. Cette série a été inspirée à Soutine par ce tableau de Rembrandt. En effet, Soutine s'inspire énormément des peintres classiques. Il faisait livrer des carcasses fraiches des abattoirs afin de pouvoir les peindre (les voisins n'étaient pas enchantés par l'odeur !). 

Les deux dernières salles de l'exposition sont consacrées aux portraits, et en particulier aux portraits des gens de métier. Le tableau qui fit sa notoriété est le petit patissier (il réalisa 6 toiles sur le sujet):

(source : RMN)

Cette toile "est la démonstration parfaite de l'inspiration classique de Soutine. La composition de la toile reprend celle du  Portrait de Charles VII par Jean Fouquet. Le garçon est assis de face, les mains croisées, la silhouette, élargie par des épaules carrés, emplissant tout le champ du tableau. Comme pour le  portrait d'Emile Lejeune, l'oreille gauche, démesurée, compense la féformation du nez tournée vers l'autre côté. La virtuosité de Soutine apparaît dans le traitement de l'uniforme, blanc laiteux et irisé de couleurs douces, que fait chanter la touche rouge vermillon du chiffon pétri par les mains du jeune garçon" (extrait de "Soutine", fascicule publié par le musée de l'Orangerie).

Le garçon d'étage (source : RMN)

Là encore, il travaille par série, comme on le voit avec les tableaux représentant des enfants de choeur :

(source : RMN)

Dommage qu'on ne puisse pas zoomer sur les détails des tissus, qui sont tout simplement magnifiques !

(source : RMN)

Pour conclure en un mot, cette exposition est une très bonne occasion de découvrir l'oeuvre de Soutine. L'exposition est même presqu'un peu trop courte (du coup, on l'a fait deux fois de suite ^^). Heureusement, pour ceux qui ont encore faim de tableaux, les collections permanentes de l'Orangerie sont là !

Pour en voir plus, voilà une visite guidée de l'exposition :

Grâce à mon meilleur ami, j'ai eu un billet coupe-file gratuit pour l'expo Bohèmes au grand palais !

L'exposition s'intéresse à la fois aux gens du voyage et à leur représentation dans l'art et à la "vie de Bohème" des artistes de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, en particulier à Montmartre. Elle explique clairement l'articulation entre les deux sens du mot Bohème.

On commence donc à la Renaissance. Les bohémiens arrivent pour la première fois à Paris au XVe siècle. Se crée autour d'eux toute une mythologie. On les appelle "Egyptiens" ou "Bohémiens". On leur invente une origine, et on s'intéresse à leurs costumes, en particulier aux coiffes des femmes.

Extrait du "Recueil de la diversité des habits" de François Deserps (source de l'image : gallica)

Comme on les considère comme des egyptiens, on retrouve leurs costumes dans certains tableaux religieux, comme ce "Moïse sauvé des eaux" d'après Niccolo dell'Abate :

Très vite, on crée une mythologie, et on retrouve toujours le même type de scènes :

• la diseuse de bonne aventure

Par exemple dans ce tableau de Georges de La Tour :

La vieille bohémienne détourne l'attention du riche jeune homme pendant que ses complices le détroussent. L'origine orientale des bohémiens est soulignée par leur teint mais aussi par les motifs de leurs vêtements. 

On la retrouve un siècle plus tard chez watteau :

Watteau, peintre de scènes galantes, crée un fort contraste entre la bohémienne et ses cliente : les vêtements chatoyants s'oposent au brun de la robe de la bohémienne et le décor au fond sépare nettement les deux groupes, réunis seulement par les mains qui se touchent. L'heure n'est plus à la tromperie mais à la légerté, malgré la position de la vieille, doigt sur la bouche, qui introduit une certaine inquiétude dans le tableau. 

• la danse et le théâtre, comme dans ce portrait d'une danseuse de Vigée-Le Brun (le tambourin est un des éléments caractéristiques des bohémiens)

• les campements de bohémiens et la vie d'errance

Campement de Bohémiens de Jan Van de Venne (XVIIe siècle). On y retrouve les coiffes de femmes qui caractérisent les bohémiennes à cette époque. (source de l'image : RMN)

On retrouve ce thème dans un tableau de Van Gogh, "les roulottes, campement de Bohémiens" :

Grace au soleil et à la douceur des couleurs, ce tableau, peint près de Sainte-Marie-de-la-Mer, donne une impression de sérénité et de bonheur. (source de l'image : RMN)

Au XVIIIe siècle, les Lumières méprisent les bohémiens considérés comme des vagabonds qui vivent des superstitions du peuple et qui volent. A cette époque et au XIXe siècle, le pouvoir politique durçit sa politique contre ces populations.

Mais dans la seconde moitiée du XIXe siècle, les artistes vont se rapprocher de ces bohémiens, en raison justement du rejet dont ils souffrent. Ils vont les prendre comme modèle, d'une part dans leur volonté de s'opposer à l'académisme, d'autre part parce qu'ils représentent leur soif de liberté. Ils vont peu à peu s'y identifier. On peut donner comme exemple Gustave Courbet qui représente "la bohémienne et ses enfants", marchant sur la route, vétus de haillons :

Il se représente lui-même en bohémien dans "la rencontre ou bonjour, Monsieur Courbet !" à droite, accueilli par deux bourgeois, dont un de ses collectionneurs :

(source de l'image : RMN)

Renoir représente sa compagne, Lise Tréhot, alors enceinte, en Bohémienne (jupe à rayures, cheveux lâchés, boucle d'oreille) dans "l'été -la bohémienne" :

On retrouve également cette représentation de la Bohème en littérature, avec les "Bohémiens en voyage" de Baudelaire : 

De nombreux artistes vont alors vivre la "vie de Bohème" que Balzac décrit ainsi : "Ce mot de Bohème vous dit tout. La Bohème n'a rien et vit de ce qu'elle a. L'espérance est sa religion, la foi en soi-même est son code, la charité passe pour être son budget". Elle est popularisé par les "scènes de la vie de Bohème de Murger".

(l'exposition n'y fait pas référence, mais je vous remets la complainte de la butte parce que je l'ai eu dans la tête pendant toute la fin de l'expo ! :

Les artistes mettent en scène cette vie dans leurs tableaux, avec en particulier la représentation de leurs ateliers et des mansardes dans lesquelles ils vivent :

"Intérieur d'atelier" de Tassaert :

Cette mansarde est à la fois l'atelier (chevalet, palette et pinceaux) et le lieu de vie de ce jeune artiste désargenté. 

"Rêverie" de Lenoir :

Les reproductions ne rendent pas justice à ce tableau. L'onirisme qui se dégage quand on le voit est magique. 

Le caricaturiste Daumier représente également ces conditions de vie avec "le bois est cher et les arts ne vont pas" :

Une salle entière est consacrée à Rimbaud et Verlaine. On y retrouve bien sur "ma bohème" de Rimbaud, mais aussi le très beau poème "sensation" :

Par les soirs bleus d'été, j'irai dans les sentiers,
Picoté par les blés, fouler l'herbe menue :
Rêveur, j'en sentirai la fraîcheur à mes pieds.
Je laisserai le vent baigner ma tête nue.

Je ne parlerai pas, je ne penserai rien :
Mais l'amour infini me montera dans l'âme,
Et j'irai loin, bien loin, comme un bohémien,
Par la Nature, — heureux comme avec une femme.

On trouve ensuite deux salles consacrées aux les cafés et aux lieux syboliques de Montmartre (moulin de la galette, ou le cabaret le chat noir) où ces artistes vivent, avec par exemple "l'absinthe" de Degas :

(source de l'image : RMN)

On revient ensuite aux représentations de gitanes, avec en particulier mon tableau préféré de l'exposition, "la gitane (la curieuse)" de Van Dongen. Ce peintre est décidément une de mes découverte de cette automne, puisque j'avais déjà adoré un de ces tableaux lors de l'exposition  "le cercle de l'art moderne" au musée du Luxembourg. 

L'exposition s'achève sur une salle consacrée aux portraits de tsiganes par le peintre allemand Otto Mueller. Ces oeuvres, dont fait partie "famille tsigane près d'un chariot" ont été exposées lors de l'exposition nazie sur "l'art dégénéré" et le commentaire rappelle que près de 500 000 tsiganes sont morts dans les camps d'extermination nazis. 

Le grand palais a réalisé une superbe "visite à 360°" avec une conférencière, à découvrir ici. Et de nombreuses vidéos mettant en avant différents aspects de l'exposition ici. 

Même si on y trouve des tableaux absolument magnifiques, j'ai trouvé que l'exposition était surtout intéressante pour son aspect historique. Je connaissais très peu l'histoire des bohémiens et l'analyse de leur perception en France est passionnante. 

Mais il y a un gros décalage entre la communication autour de l'exposition, très centrée sur la fin du XIXe siècle et Montmartre et la réalité de l'exposition où ce sujet ne concerne que les dernières salles. A tel point que mon meilleur ami a été déçu par cette exposition, parce qu'il ne s'attendait vraiment pas à découvrir l'histoire des bohémiens du XVIe au XXe siècle. 

La mise en sène de l'exposition m'a aussi un peu agacée. Apparemment c'est la mode de vouloir "contextualiser" les tableaux avec décor et mise en situation en ce moment, j'avais déjà vu le pseudo défilé de mode et la fausse pelouse dans l'expo "l'impressionisme et la mode" à Orsay, là on a droit à la fausse tapisserie déchirée pour s'imaginer dans l'atelier d'un artiste désargenté... Bof! Et quelle idée de mettre un faux kiosque bien moche au milieur du superbe escalier du grand palais ! Et détail technique, les textes d'explication étaient trop petits et se détachaient parfois mal sur le fond, à tel point que j'ai du les lire à haute voix à mon meilleur ami qui avait oublié ses lunettes ! Par contre les fonds ocres et les l'ambiance musicale de la première partie de l'exposition m'ont plu. 

Je conclus sur ces mots de Flaubert, extraits d'une lettre à George Sand, qui semblent étrangement d'actualité : "je me suis pâmé, il y a huit jours, devant un campement de Bohémiens qui s'étaient établis à Rouen. Voilà la troisième fois que j'en vois. Et toujours avec un nouveau plaisir. L'admirable, c'est qu'ils excitaient la haine des bourgeois, bien qu'inoffensifs comme des moutons. Je me suis fait très mal voir de la foule en leur donnant quelques sols. (...) Cette haine-là tient à quelque chose de très profond et de complexe. On la retrouve chez tous les gens d'ordre. C'est la haine qu'on porte au Bédouin, à l'hérétique, au philosophe, au solitaire, au poète. Et il y a de la peur dans cette haine. Moi qui suis toujours pour les minorités, elle m'exaspère. Du jour où je ne serai plus indigné, je tomberai à plat, comme une poupée à qui on retire son bâton". 

A la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle, au Havre, de riches négociants constituent des collections d’art. Certains de ces passionnés s’intéressent à la nouvelle génération de peintre et à l’avant-garde. Ils créent en 1906 « le Cercle de l’art moderne » avec les peintres havrais Braque, Dufy et Friesz et organisent des expositions. 

On découvre donc dans l'exposition du musée du Luxembourg des tableaux présentés lors de ces expositions mais aussi d'autres issues des collections des fondateurs du cercle (dont une grande partie est désormais la propriété du musée d'art moderne du Havre). 

On y trouve des oeuvres de Courbet, Monet, Pissaro, Dufy, Van Dongen, Modigliani, Vuillard...

Petit aperçu (entièrement subjectif, je mets ici les tableaux qui m'ont plu). 

Madame Vuillard cousant devant la fenêtre d'Edourd Vuillard

La anse des pilotes (port du Havre) de Camille Pissarro

Le rayon de Félix Vallotton

14 juillet au Havre de Raoul Dufy

Fenêtre ouverte à Collioure de Matisse

La femme blonde d'Albert Marquet

Mon coup de coeur (qui est aussi l'affiche de l'exposition) : la parisienne de Montmartre de Kees van Dongen

Le parcours numérique de l'exposition est ici et la bande annonce de l'exposition est là. 

C'était ma première sortie au musée avec le magicien. Il a fait sensation. Il faut dire que l'âge moyen d'une expo un après-midi de semaine doit être d'environ 70 ans et que les vieilles dames sont particulièrement fan des bébés et en profitent pour raconter leur vie ("j'ai une petite fille du même âge mais elle habite à tel endroit, je la vois pas souvent"...). J'ai même parlé anglais avec une touriste qui le trouvait "so cute" !

Il a eu son premier ticket d'entrée ("gratuit moins de 16 ans") qui sera conservé précieusement dans le petit carnet que je fais pour garder ses souvenirs. 

Il a décidé dans la 2e salle qu'il ne voulait plus être dans l'écharpe (en fait, il adore l'écharpe quand je marche, mais quand je suis immobile, il a tendance à râler), donc je l'ai pris dans mes bras, et à partir de ce moment là il a été adorable. Il regardait même certains tableaux. J'avais des courbatures dans les bras le lendemain, mais j'ai pu bien en profiter, donc j'étais ravie !

On recommence bientôt, y'a plein de super expos en ce moment à Paris!